„Kunst muss nicht interpretieren, sondern verändern“

Marco Damghani ist Teil der dreiköpfigen künstlerischen Leitung am Hamburger Ernst Deutsch Theater und verantwortet dort die Spielstätte „LABOR“. Geprägt durch Stationen wie das Berliner Maxim-Gorki-Theater, inszeniert er Stücke wie „Keine Aufstiegsgeschichte“ und aktuell die Komödie „Der Riss“ am Schauspiel Leipzig. Im Interview mit Neues Leben spricht er darüber, wie Theater Barrieren abbauen kann, warum ein neues Klassenbewusstsein nötig ist und welches enorme Potenzial in einer engagierten jungen Generation steckt.

Das Ernst Deutsch Theater verfügt mit 750 Plätzen über die größte Bühne eines deutschsprachigen Privattheaters. Welche Rolle übernimmt daneben das von Ihnen geleitete, kleinere „LABOR“?

Das klassische Theater ist oft noch ein exklusiver, weiß-bürgerlicher Raum. Viele Menschen, besonders aus der Arbeiter:innenschicht oder mit Migrationsgeschichte, können dort kaum anknüpfen – weil sie aber auch schlichtweg nicht gemeint sind. Ich hatte das Glück, Erfahrungen im Organizing machen zu dürfen und dort lernt man: Beziehungsaufbau braucht Zeit, Vertrauen und immer neue Angebote, an die man andocken kann. Das LABOR soll so ein Türöffner sein, um diese Schwellen abzubauen. Es ist ein viel intimerer Raum als die große Bühne, wir können hier auf Augenhöhe und ohne hierarchisches „Top-down“ eine Form von Egalität herstellen und ausprobieren, wie man Theater anders denkt.

Wie erreicht man ein Publikum, das mit dem Kulturbetrieb bisher nur wenig verbindet?

Das fängt bei uns selbst an: Wir sind ein sehr junges Leitungsteam – ich bin 34, meine Kolleg:innen sind Mitte 30 und knapp über 40. Die Menschen, mit denen wir unser Leben verbringen und diejenigen, die das Theater traditionell besuchen, unterscheiden sich deutlich. Wir haben uns gefragt, woran das liegt und wie wir mit unserem Programm etwas daran ändern können.

Liegt das auch an einem falschen Verständnis von gesellschaftlicher Teilhabe?

In Deutschland gibt es oft ein grundlegendes Missverständnis beim Thema Integration. Auf einer physisch-chemischen Ebene bedeutet Integration ja eigentlich, dass zwei Teile sich begegnen und dabei etwas völlig Neues entsteht. Viele fordern stattdessen Assimilation: Man soll gefälligst so werden wie die Mehrheitsgesellschaft und brav ihren Kleist beklatschen. Unsere Behauptung ist, dass wenn man sich darauf konzentriert, inhaltlich Themen zu setzen, die für ein traditionell ‚theaterfremdes‘ Publikum relevant sind, kommen diese Menschen auch. Das beinhaltet, dass man kein elitäres Vorwissen voraussetzt und offen dafür ist, dass sich der Raum ‚Theater‘ verändert.
Aus diesem Gedanken ist auch die Idee der „BETA-Vorstellungen“ gewachsen, bei denen wir nach einem Showing aktiv Feedback einholen. Wenn uns dann ein 18-Jähriger nach dem Stück sagt: „Das fühle ich, da holt es mich ab“, können wir als Kunstschaffende wahnsinnig viel aus diesen Erfahrungsschätzen lernen.

Aktuell gibt es auch an anderen Hamburger Häusern kriegskritische Inszenierungen und in der Musik positionieren sich Künstler wieder stärker politisch. Geht da gerade eine Welle durch die Kulturschaffenden, erleben wir vielleicht einen Generationswechsel?

Ich denke, man muss da unterscheiden. Die Themen im Theater hatten immer schon eine demokratische, oft auch pazifistische Neigung – das deutsche Nachkriegstheater hat sich stets deutlich nach rechts abgegrenzt. Und dennoch tun sich Teile des Theaterbetriebs manchmal schwer damit, über reine Lippenbekenntnisse hinauszukommen. In der Theorie sind alle gegen Rassismus oder Krieg, spielen Brecht oder Fassbinder. Leider sieht die Praxis häufig gegenteilig aus. Viele Häuser haben extrem hierarchische Betriebsstrukturen und beschränken sich darauf, die „Kunst für sich sprechen zu lassen“.  In Zeiten, in denen die Demokratie massiv bedroht wird, reicht reines Zeigen auf der Bühne aber nicht mehr aus.

Sondern?

Die Künstler haben über die Jahre versucht, die Welt zu analysieren; es kommt aber darauf an, sie zu verändern. Wir müssen uns Verteilungskämpfen stellen: Milliardenkonzerne zahlen kaum Steuern, während wir gleichzeitig diskutieren müssen, dass kein Geld da ist, um Schultafeln auszustatten. Der allererste Punkt ist deshalb, in Deutschland überhaupt wieder so etwas wie ein Klassenbewusstsein zu schaffen.

Durch Theater?

Ja, denn gerade im Westen ist es unfassbar, wie wenig sich Arbeiter:innen darüber bewusst sind, dass sie Teil desselben Kampfes sind. Das schlachtet die AfD so erfolgreich aus. Wenn die Leute bei uns sitzen und merken, dass sie angesprochen werden, dass sie nicht egal sind und etwas beitragen können, entsteht ein Funke. Die wichtigste Aufgabe der Kunst ist es, einen Ort der Empathie zu schaffen – sodass die Menschen als Einzelpersonen den Raum betreten und ihn als solidarische Gruppe wieder verlassen können.

Spürt ihr bei eurer Arbeit auch den Druck durch die aktuellen bundesweiten Kürzungen?

Die Kunst ist momentan fast überall massiv von Kürzungen betroffen. Sinkende Budgets setzen die Häuser natürlich unter Druck und das wirkt sich auf die Programmierung aus. Eine scheinbare ‚Lösung‘ ist es, dass die Spielpläne dadurch ‚seichter‘ werden – weil vermehrt auf leicht verdaubare Stücke gesetzt wird, um weniger Risiko einzugehen.
Wir probieren das Gegenteil: Kein Appeasement, sondern klare Haltung. Viele Menschen sind aktuell gelähmt oder in einer Schockstarre. Wenn man ihnen einen Ort bietet, an dem Dinge wie Krieg, unbezahlbare Mieten oder soziale Ungleichheit klar benannt werden und gesagt wird: „Es kann so nicht weitergehen“, kann das die Menschen aus ihrer Ohnmacht holen und ihnen übrigens auch Lust machen, wiederzukommen.

Im Ausland, etwa in Frankreich, verbindet sich Protest oft ganz natürlich mit gelebter kollektiver Kultur auf der Straße. Gibt es diese Hoffnung auf gesellschaftliche Entfaltung auch bei uns?

Ich habe einen tiefen Glauben an unsere Leute und bin da sehr optimistisch! In Frankreich ist die Revolte natürlich tief im gesellschaftlichen Wesen angelegt. Aber auch bei uns sehe ich ein wahnsinniges Potenzial für eine neue Protestkultur, gerade bei Migras und jungen Menschen. Wenn eine Generation anfängt, alte Muster infrage zu stellen, besteht eine riesige Chance, eine völlig neue, solidarische Kultur zu schaffen. Woher soll die Raupe wissen, wie es sich als Schmetterling anfühlt? Das Theater kann dabei ein Ort sein, an dem sich unterschiedliche Bewegungen verzahnen. Denn egal ob jung, migrantisch oder armutsbetroffen: Wir alle haben am Ende das gemeinsame Interesse an bezahlbaren Mieten, gerechter Verteilung und an Frieden.